El hombre que envejeció antes de tiempo

Por Alejandro Lafourcade

a.lafourcade@pilaradiario.com

De El Diario Regional de Pilar, 12/1/2017

La crisis de los 30 puede traer aparejadas múltiples consecuencias. La noción de la adultez es resuelta de diversas maneras, a veces con aceptación, otras con negación, pero ningún caso se parece al de Sergio Pángaro: cuando todos le temen al paso del tiempo, el músico y actor decidió… envejecer de forma premeditada.

De riguroso pantalón de vestir, camisa blanca y bigote anchoíta, dialogó con El Diario dejando un tendal de reflexiones que lo muestran como lo que es: un artista único en su especie.

Atemporal

-¿Cuándo empezaste a ser un hombre "como los de antes”?

-Fueron varios factores, una decisión orgánica. Cuando uno se acerca a los 30 empieza a pensar en la vejez. Antes los trajes eran elegantes, la gente se comportaba de una manera, quizás de alguna forma careta, pero entre lo careta y lo violento me quedo con lo careta. Violento en el sentido de prepotencia, de una manera de hablar, la mala educación, de colarse en una fila…

Con esa fantasía y el miedo a envejecer, me lo plantee inconscientemente. El rock va unido a la juventud, pero yo envejecí antes de tiempo. El rock está sostenido por el entusiasmo de la juventud, más que por la calidad. Necesita dos acordes, actitud y una idea fuerte. Quizás sea un poco snob mi postura, acomplejado por la edad.

-Tu búsqueda es contraria a la cultura de la "eterna juventud”.

-Totalmente, estoy en contra de esos esperpentos, de todas las cirugías, de esos comportamientos. Al envejecer antes de tiempo me encontré con un idioma, una armonía y estudios que me enriquecieron a nivel humano.

-¿Pángaro es un personaje, o es el mismo arriba y abajo del escenario?

-Sería más fatigoso disfrazarme. Me eduqué en posturas artísticas en las cuales mis ídolos eran Magritte, Picasso, Van Gogh, que no se hacía el loco para pintar, si no que era así. Los Led Zeppelin salían a la calle como tocaban en sus discos, había una coherencia permanente. Siempre tuve referentes que no se disfrazaron.

-¿Algo de eso se daba en Baccarat (su banda más emblemática)?

-Sí, en Baccarat nuestras conversaciones en el escenario eran reales, no una puesta, era una extensión de lo cotidiano. Estábamos todo el tiempo juntos, como una comunidad. Si el escenario es mágico, ¿por qué no hacer la vida mágica? Ahora me doy cuenta de que teníamos razón. No es cuestión de imitarse a uno mismo, hay que ser honesto con lo que le está sucediendo a uno. Y siempre con humor.

-Al llegar la moda vintage, ¿no gritaste "vieron que yo tenía razón”?

-(risas) Siempre hubo gestos hacia el pasado. Se ve en la new wave, los new romantics, con los peinados María Antonieta, también en los B-52´s… En todas las épocas hubo una revisión de lo anterior, lo hizo hasta Bach.

Contracultura

¿Se puede estar vestido como un dandy de los ’40, hablar del espíritu hippie de los ’60 y conseguir rotación en una radio de rock? Pángaro lo logró al llegar a la FM Rock & Pop, donde Baccarat fue la cortina de un programa ("Day Tripper”).

"Veníamos a ‘asustar al rock’ –afirma-, trayendo aquello contra lo que el rock se rebeló. Sin embargo, a nuestra manera éramos rockeros, con una reflexión sobre los dogmas, predicando el amor desde el punto de vista hippie. Llegamos con lo kitsch, con ese sarcasmo parar mirar el mundo, sin tratar de hacer filosofía”.

Y recuerda: "En los ’90, este ámbito me visibilizó. Entre los sónicos de la época, llamé la atención. Me quería vestir como un oficinista, algo que era contracultural”.

Bombas españolas en Andalucía

Incluso desde sus tiempos de okupa en Londres, antes de formar The Clash, Joe Strummer se enamoró de Andalucía. Por eso, no extrañó que en su vida posterior al estrellato pasara varios años viviendo entre Granada y Almería, conviviendo como un vecino más.

Dirigido por Carles Prats, el documental “Quiero tener una ferretería en Andalucía” (2011, puede verse en Internet) revive aquellos tiempos con testimonios e imágenes sobre las andanzas de Joe en la ciudad que alberga a La Alhambra.

Para extrañar un poco más a un artista de los que no abundan.

Los discos del rock local: un año lleno de música

(Publicado en El Diario Regional, Pilar, diciembre de 2014)

En Pilar, la música local en general y el rock en particular tuvieron un 2014 por demás productivo, a partir del lanzamiento de varios discos, entre producciones independientes y lanzamientos a través de compañías discográficas.

El escenario tuvo de todo un poco: bandas, solistas, regresos esperados, debuts sorprendentes y confirmaciones, según el caso. En este contexto, el rock fue el más productivo, sin dejar atrás al reggae ni a quienes incursionan en el blues, el jazz y la fusión. Aquí, el repaso de algunos nombres que se hicieron sentir en el año que ya termina…

Adelantados

Ya en la primera semana del año, The Kangaroos abrió 2014 con el estreno de su EP “Enough with the pretty people”. La banda de indie rock pilarense integrada por Esteban Alberini (guitarra), Joaquín Urbonas (voz y guitarra), Lucas Maciel (bajo) y Juan Alejo Fernández (batería), lanzó así su primer trabajo discográfico formal. Con una apuesta particular: todas sus letras son en inglés.

El reggae estuvo representado por Amerikan Mystic y su disco debut, “Fuerte raíz”: compuesto por once temas, todos salidos de la inventiva de Edu Gutiérrez, guitarrista y creador de la banda. No obstante, en este primer trabajo –presentado en el Lope de Vega- también aparecen ritmos latinos, funk y hasta una milonga. La presencia de una voz principal femenina (Sol González) le da al grupo de Del Viso un toque distintivo.

Desde Manuel Alberti, Earthquake propone nü metal al estilo Korn, así como hard rock con guitarras potentes y melodías con fuerza propia. Como su nombre lo indica (“terremoto”, en inglés), aspiran a hacer temblar la tierra.

Gancho

Uno de los hechos más destacados del año fue la firma de cuatro bandas locales con la discográfica S-Music: Desagüe Varela, Maldito Pez, Elipas y Pecado Original. Los discos de los dos primeros ya están en las bateas, mientras que los otros dos están en plena preparación.

Trío compuesto por Celina Mainella (voz, guitarra y teclado), Daniel Mora (bajo y coros) y Pablo Romano (batería, percusión y samplers), Desagüe Varela vio al fin cristalizado el deseo de lanzar su primer disco –llamado como la banda-: once canciones de melodía pegadiza y ritmos variados (pop, ska, punk, candombe). Además, se nota la mano de su productor, Palo Pandolfo, quien además aporta voces.

Por su parte, Maldito Pez ha lanzado “La gran pensión”, compuesto por diez canciones nuevas y propias, que no figuran en su EP debut. En él pueden escucharse desde guitarras stone hasta influencias del rock rioplatense. Gran trabajo de Martín Morón en el arte interno.

Sin embargo, no todo es el formato físico: las nuevas tecnologías permiten además grabar y “colgar” discos en la Web mucho antes de su edición tradicional. Es el caso por ejemplo de Nowhere Love, trío pop de Del Viso y su “Nocturnalía”, o de la cantante An Espil, con su registro “ABC en vivo”.

Eclécticos

Más de diez años después de su último disco, en 2014 apareció un nuevo trabajo de Humildes Tártaros: la banda que marcó el pulso del rock local en los ’90 editó “Giraveces”, sucesor del ya lejano “Aldea”. El eclecticismo que siempre caracterizó al grupo queda de manifiesto con más fuerza que nunca. Variedad en la música y en la composición demuestran que HT sigue sin atarse a ningún estilo.

Alejados del rock y más cerca del jazz, la fusión y otros estilos, dos discos también han marcado el año: la cantante Macarena Robledo aportó “Instrumento vivo”, en el que incluso se anima al soul, el folclore y la música brasileña.

El último lanzamiento del año fue el debut del Juan Pablo Moyano Grupo, en el que el guitarrista confirma una vez más que es uno de los músicos más inquietos y destacados de la región. El debut consta de nueve temas instrumentales en los que aparecen el candombe, la milonga, el tango y hasta el folclore.

"Foreverly", el capricho de BJ y Norah

Un capricho que se quiso dar Billie Joe Armstrong, líder de Green Day: reversionar un disco que los Everly Brothers editaron ¡en 1958!
Para ello convocó a Norah Jones, formándose así una dupla a priori impensada, pero que da buenos resultados: "Foreverly" cuenta con baladas de época, algunas aproximaciones al country y la posibilidad de escuchar algo distinto de BJ, corriéndose de la fórmula que ha sabido explotar en los últimos 20 años.
Por supuesto, el dúo no logra las armonías vocales que eran una marca registrada en los hermanos Everly, pero el resultado es un buen disco para, como diría Sui Generis, “música de fondo para cualquier fiesta animada”. Me gustó.

La conferencia secreta del Toto`s Bar

Simplemente, este disco de Los Shakers es el Sargent Pepper`s del Río de la Plata. Gracias a una reedición se puede conseguir en las disquerías, y al escucharlo es inevitable hacer comparaciones con los grupos anglosajones del momento, sin temor a llegar hasta The Beatles. El disco es de 1968 y suena como ningún otro en este lado del mundo por aquellas épocas. Hugo, Osvaldo, Pelín y Caio le ponen psicodelia, ritmo y canciones magníficas a un disco que en su momento pasó casi inadvertido pero que ha sido justamente reivindicado. Sin dudas, de no haber sido uruguayos sino ingleses o norteamericanos, Los Shakers serían reconocidos tanto como los Kinks, los Animals o cualquier otra banda.

Ringo, con una ayudita de sus amigos

¿El único de los cuatro que no tenía talento? Imaginen a The Beatles con otro baterista y verán que es imposible. El hombre de los anillos que a fuerza de carisma se hizo un lugar en la banda más importante de la historia pasó por Argentina por segunda vez: Ringo Starr demostró que tener un beatle tan al alcance de la mano siempre es un regalo. Lo primero que hay que saber es que no se está presenciando un recital de Ringo: es un show de la All-Starr Band, que no es lo mismo. No es tonto, el hombre. Sabe que su repertorio, aún si interpretara todas las canciones que cantó para The Beatles, no alcanza para completar la lista de un concierto. Por eso suele rodearse de músicos consagrados que aporten su parte. “Cada uno de los integrantes de esta banda es una estrella en sí misma”, avisa Ringo apenas comienza el show, que se abrió con “Matchbox”, el clásico de Carl Perinks que figura en la colección Past Masters. Luego, su hit solista “It don´t come easy”, para delirio del público que llenó el Teatro Ópera, entre ellos Charly García. Por esta condición de supergrupo es que cada uno va teniendo su lugar de manera intercalada a lo largo del recital. Casi nada: Steve Lukather (Toto) estuvo a cargo de “Rosanna”, “Africa” y “Hold the line”, más allá de demostrar sus dotes de guitarrista. Sin dudas, uno de los que se robó la noche. Gregg Rolie, tecladista y voz de Santana, llevó al público a los ’70 con “Evil ways”, “Black magic woman” y “Oye como va”; mientras que Todd Rundgren –el más carismático después de Ringo- apareció con “Love is the answer”, “Bang the drum all day” y “I saw the light”. Por su parte, Richard Page (Mr. Mister) aportó “Kyrie” y el hit “Broken wings” (busquen la canción en Youtube y verán que la conocen, tan solo no sabían su nombre). El combo se completó con el baterista Gregg Bissonette y el polifuncional Mark Rivera como rueda de auxilio de todos. Pero volvamos a Ringo: siempre afecto al rock más básico, el de fines de los ’50 y principios de los ’60, se lució con “I wanna be your man”, “Act naturaly”, “Don´t pass me by” y “Boys” como si no hubiesen pasado ya 50 años de las épocas doradas. Es el mismo, pero ya sin flequillo para sacudir. A veces al frente, otras en la batería, demostró por qué nunca fue necesaria ser demagogia para ganarse la simpatía de todos. “¿‘Octopus’s garden’? El año que viene…”, prometió ante el pedido de los fans que incluso tiraron dos pulpos de peluche. Pero el tema incluido en Abbey Road nunca llegó… En cambio, no faltaron “Yellow submarine” y “With a little help from my friends”, que cerró la noche luego de dos horas corridas. ¿Bises? Ninguno. Lo mejor ya había ocurrido.

The Velvet Underground & Nico

El disco es también conocido como “Andy Warhol”, por el famoso dibujo de la banana en la portada, una de las tapas más famosas de la historia del rock. Nada menos que la presentación en sociedad de Lou Reed, como parte de una banda que revolucionó los cánones del rock. Los suburbios de Nueva York aparecen retratados sin eufemismos a lo largo del disco, como en la inmortal “I´m waiting for the man”, sobre el encuentro con un dealer. Además, el grupo es acompañado por Nico, cantante y modelo alemana que aporta su voz en un puñado de temas, como “Femme fatale” y “I´ll be your mirror”.

Top 10 Ramonero

Me pidieron en un curso de periodismo de rock dictado por Sergio Marchi que hiciera un top ten con las canciones de Ramones, buen motivo para resucitar este blog abandonado y con telarañas. Allá va: 1)Judy is a punk: según la leyenda, la primera canción del primer show, allá por 1974. El Big Bang tiene lugar en el CBGB y la palabra punk aparece por primera vez en un título. 2)Blitzkrieg Bop: el himno ramonero por excelencia, a partir de su grito de guerra (“Hey, ho, let´s go”). El cuarteto neoyorquino le grita al mundo con la guitarra-motosierra de Johnny como tarjeta de presentación. 3)Sheena is a punk rocker: la influencia del surf rock y de los Beach Boys en particular se pone de manifiesto en el único tema de Ramones que aparece en dos discos de estudio distintos. 4)Do you remember rock and roll radio?: con melodía sesentista, los muchachos repasan sus fuentes (John Lennon, T.Rex, Murray the K) y piden “un cambio rápido, antes de que el rock sea parte del pasado”. 5)Chinese Rock: el mejor compositor de Ramones siempre fue Dee Dee, y Chinese Rock es uno de sus puntos más altos. Su letra yonqui enamoró a Johnny Thunders, haciéndola suya a partir de la interpretación de los Heartbreakers. 6)Questioningly: ¿Quién dijo que una banda punk no puede usar la guitarra acústica? Balada impecable a la medida de Joey y su gran inspiración para componer canciones: la frustración por el amor perdido. 7)The KKK took my baby away: Cómo hacer público que un compañero de banda –encima, facho- te robó la novia. Melodía y estribillo pegadizos en la joya del disco Pleasant Dreams, el más pop de la banda. 8)Needles & pins: si algo sabían The Ramones era hacer covers volviéndolos casi propios, y este sin dudas es el más conocido. Con los años mantuvieron la pasión por versionar temas perdidos de los ’60. 9)Somebody put something in my drink: a mediados de los ’80 la banda tomó una postura más dura, a partir de la fugaz incorporación de Richie en la batería. Este es el mejor ejemplo, con la voz de Joey como gancho principal. 10)7-11: Otra gran balada de Joey, también con la frustración en primer plano. La canción demuestra por qué Phil Spector trató por todos los medios de llenarle la cabeza al vocalista para que encarara un proyecto en solitario.

Covers que le empardan al original

Para que nadie se queje, el orden es aleatorio y sólo elegí cinco para no irnos por las ramas, pero son una prueba fiel de que a veces el cover puede ser igual o mejor que la canción original.

-“Needles and pins” (The Ramones), escrita por The Searchers y popularizada por Sonny Bono y Cher en los ’70. Los Monchos la hicieron tan bien que se convirtió en uno de sus clásicos, aunque prácticamente nunca la tocaron en vivo.

-“Nothing compares 2 U” (Sinead O’Connor), de Prince, aunque el original haya tenido mucha menor difusión. La irlandesa rapada y carilinda hizo una versión impresionante en 1990, con la que muchos treintañeros bailamos lentos en los asaltos.

-“Stand by me” (John Lennon), cuando John ya se había separado de The Beatles hizo esta versión excelente del tema de Ben E. King, escrito en 1961.

-“It ain’t me, babe” (Johnny Cash), version country –cantada a dúo con su pareja June Carter- del temazo de Bob Dylan, comentado en este mismo blog hace un tiempito. Otra muestra de que el cover puede ser igual de bueno que el “oríyinal”.

-“Me siento mucho mejor” (Charly García), para que no me tilden de antipatria. Casi calcada la versión de Charly de un tema de los ’80 (“Feel a whole lot better”), compuesto por Tom Petty & The Heartbreakers. Hasta la próxima.

Sea of love (versión de Cat Power)

Definitivamente, la joya de la ya de por sí excelente banda de sonido de la película "Juno", film de 2007 que relata las dificultades de una adolescente norteamericana que queda embarazada.
Cat Power es el seudónimo de Chan Marshall, una joven que ha reversionado una buena cantidad de temas famosísimos de la historia del rock, incluyendo "(I can´t get no) Satisfaction". En EEUU tiene mucho éxito, y acá está llegando de a poco, por lo que se pueden conseguir algunos de sus discos.
Consejo: es la típica música que podría amenizar una reunión estando de fondo, quizás si uno se sienta a escuchar puede resultar aburrido. Eso sí: esta versión es espectacular, conmovedora e imperdible.
Escuchala y mirá el video en http://www.youtube.com/watch?v=CbMeAOTPJzM

Pd: la original fue escrita por Phil Phillips en 1959 y fue número 1, es la canción central de la película del mismo nombre, con Al Pacino y Ellen Barkin. Creo que acá se llama "Prohibida obsesión" o algo así.

Por probar el vino y el agua salada

El rock sinfónico se mezcla con el folk y sale esta canción de García y la Máquina de Hacer Pájaros, banda que tuvo a Charly como figura central y a Oscar Moro entre sus integrantes. Nada que envidiarle a Yes o Jethro Tull, la verdad.
El grupo editó dos discos, "García y la Máquina de Hacer Pájaros" y "Películas", que tuvo más aceptación, aunque personalmente me gusta mucho más el primero, muy pero muy recomendable.
Si no lo escucharon, se vende barato en las disquerías, vale la pena tenerlo porque es un discazo, incluye "Bubulina", "Cómo mata el viento norte" y el tema de este post, una balada con mensajes cifrados ("¿Cómo te puedes a reir así, hermosa, cuando mataste a mi gente?")como los que CG solía mandar en esa época ('76-'77).
Dato: el grupo se llamó así por una historieta de Crist del mismo nombre.
pueden escucharla acá: http://www.youtube.com/watch?v=lxMbR4EjXmk

Mañana en el Abasto

Joya del último álbum de Sumo, poesía suburbana pura a cargo de Luca Prodan, italiano educado en Escocia, que vino a Argentina para curarse de la adicción a la heroína que contrajo en Inglaterra.
Toda esa mezcla hizo que el tipo conociera los movimientos sociales y musicales de los '70, como el glam, el reggae, el punk y la incipiente new wave, que en Sumo se combinaron de manera inigualable, por lo menos en este rincón de América.
"Mañana en el Abasto" escasi un recitado, en el que Luca describe al barrio como si fuese porteño de nacimiento. Casi que se puede ver al viejo sentado ahí, o a José Luis y su novia, o a Sergio trabajando en la estación de subte B.
El final es premonitorio, de la mano del estado físico de Luca al momento de escribir y cantar la canción: "Y yo me alejo más del suelo/ y yo me alejo más del cielo, también". Imperdible.
Se escucha en: "After chabón" (1987)y compilados como "Obras cumbres".

Guarden los teléfonos

"Si apagan los celulares, quizás puedan disfrutar del show", dijo Björk en pleno concierto, el año pasado en nuestro Gran Rex. Cansada de esos aparatitos que no dejaban de retratarla o filmarla, la islandesa paró la canción que estaba interpretando para rogar que hicieran valer el dinero de la entrada de otro modo.
Desde hace unos 4 o 5 años, cada vez que fui a un recital -de esos en los que la gente está sentada, obvio, como Jethro Tull por ejemplo- no pude evitar compadecerme de los pobres tipos que lo único que hacen es sostener el telefonito en alto para retratar a quien está en el escenario, cuando (me parece) lo verían mejor con sus propios ojos, y no a través de una pantalla. Para eso, es mejor esperar el material de algún otro bobo que lo grabe y bajarlo de Youtube.
¿Qué lleva a la gente a dejar de lado la emoción de tener enfrente a ese que sólo ves en las revistas o la tele, y pasarse la noche filmándolo o sacándole fotos? ¿Por qué ese afán por dejarlo todo registrado?
Si hay algo que envidio en cualquier acontecimiento es el famoso "yo estuve ahí...": el que vio a Sumo, el que fue al show de McCartney en River, el que vio a Almendra en un teatrito de mala muerte, el que estuvo en Obras en 1987 para el primer show argentino de Ramones, inclusive el que fue a algún partidazo de fútbol... Todos sucesos con muy pocos registros audiovisuales, lo que los hace aún más especiales. En un futuro cercano, ese componente se perderá por completo, debido a que TODO podrá ser visto u oído.
Tal vez la frase se modifique: "Yo no estuve ahí, pero me lo pasó un amigo por mail". Si es mejor o peor, es opinable, yo prefiero la envidia que me produce saber que alguien vio algo que yo me perdí, y la pequeña gran satisfacción de exclamar "yo estuve ahí...".

It ain´t me babe

Hermosa (adjetivo grasa si los hay) canción de Bob Dylan, a la que incluiría en cualquier compilado del señor Zimmermann. A través de la letra, Dylan intenta convencer a una muchachita que él no es la persona que está buscando. O sea: una canción de amor no correspondido pero más original, desde el lado del que rechaza, y no del rechazado.
"Todo dentro mío es de piedra /nada se mueve/ y de todas maneras no estoy solo", clarito como el agua, mientras reconoce ser "un amante en tu vida y nada más". En fin, una canción muy recomendable. Es difícil elegir sólo un tema suyo, pero éste sin dudas vale la pena escuchar.
Pd: el cover de Johnny Cash en ritmo country es igual de buena.
Se escucha: en varios compilados, editada originalmente en "Another side of Bob Dylan" (1964).

Cine y rock

Acá van un puñadito de películas en las que la música es el centro. Si todavía no vieron ninguna, ¿en qué perdieron el tiempo?

-Almost famous (Casi famosos): cuenta las andanzas adolescentes de un futuro periodista de Rolling Stone, cuando sale de gira con una banda de rock venida a menos. Rescató a "Tiny Dancer",de Elton John, y la volvió rockera.

-High fidelity (Alta fidelidad): impecable film en el que aparecen retratadas todas las mañas y los gustos de los amantes de la música, como estar permanentemente armando rankings -como éste- o armar un compilado con la precisión de un cirujano.

-End of the century (Fin de siglo): documental sobre la vida y obra de The Ramones. Espectacular en las entrevistas, bien íntimas. Demuestra que los tipos estuvieron casi 15 años sin hablarse entre sí, como aquellos planteles de fútbol que se pelean afuera pero en la cancha dejan todo. Pinta a Johnny como un déspota.

-The filth and the fury (La mugre y la furia): otro documental, esta vez sobre los Sex Pistols. Muestra con precisión -e imágenes inéditas- cómo era el ambiente en el que nació el punk inglés. Muy recomendable.

-Woodstock: el momento cumbre del rock de fines de los '60 fue el festival que aquí se documenta. Los mejores -o casi todos ellos- en su mejor momento. Un clásico de las salas de cine de trasnoche en los '70.

-Rock and Roll Circus: súper encuentro de gigantes con una estética circense, de la mano de los Rolling Stones. Desde Jethro Tull a John Lennon y The Who. Sencillamente imperdible.

Lo único que faltaba: el Bossa N' Ramones

Primero fueron por los Stones, luego por Marley, la siguieron con Guns & Roses, y una lista que cada vez se hace más larga... Pero ahora se metieron con ellos, y la cosa pasó de castaño oscuro. Llegó el Bossa N' Ramones, nueva bazofia de la industria pensada para aquellos que jamás en sus vidas se habrían comprado un disco de los monchos ni menos aún hubieses ido a un recital.
Reconozco que el Bossa N' Stones me gustó, me pareció original, pero lo que siguió después fue más de lo mismo: una mina cantando bajito y haciéndose la sensual, como si eso fuera bossa nova (¿¿??). Pero ahora se metieron con ellos. Esto es personal. Llegó el Bossa N' Ramones. Puaj.

Wish you were here

Una inmortal introducción de guitarra abre esta inmortalísima canción de Pink Floyd, incluida en el álbum del mismo nombre. Casi todo el disco es un gran homenaje a Syd Barrett, fundador de la banda (sobre todo el primer tema, “Brilla tú, diamante loco”), quien para ese entonces había abandonado al grupo unos cinco o seis años atrás, mentalmente perturbado por las drogas, en especial el LSD.
Dicen que Barrett apareció mientras se estaba grabando el disco, irreconocible por su calvicie y sus kilos de más, muy distinto al flacucho desgarbado y de mirada triste de los años fundacionales de Pink Floyd, bautizado así por los dos ídolos de su creador: los bluseros Pink Anderson y Floyd Council.
La canción fue un clásico de los shows de Floyd a partir de ese momento, inclusive la tocaron en la vuelta de la banda en 2005, en ocasión del Live 8.
Pd: recluido durante casi treinta años en el sótano de su casa, Syd Barrett murió en julio de 2006, acosado por la diabetes. Ya era una leyenda hacía rato.

Whatever

Una de mis canciones favoritas de Oasis, grupo del que nunca fui un fanático pero que me gusta, a pesar de que sólo me haya comprado un disco de ellos (el famoso "(What’s The Story) Morning Glory?").
La particularidad de Whatever es que no está incluida en ningún disco oficial, ya que fue editada en forma de single. Lo mejor es la melodía, sin dudas, una de las más pegadizas del grupo británico más bardero de los '90. Dicen por ahí que David Bowie los habría intentado enjuiciar por plagio, vaya uno a saber por qué canción.
Lo curioso es que, cada vez que se toca en vivo, le inventan un nuevo final, con estribillos de clásicos del rock, como "Octopus's Garden" de los Beatles y "All the young dudes", de Bowie (¿una burla a su intento de juicio?)
Pd: dedicado a Cata, gran fan de Oasis. Welcome back.

Cuchillos

A mi entender, la última gran-gran canción de Charly García, correspondiente a su disco Say No More, una verdadera bisagra en su carrera, ya que a partir de ahí giró hacia una postura mucho más vanguardista, a veces directamente inexplicable y muy cercana al absurdo.
La letra demuestra una vez más que Charly es un verdero poeta, y los versos de Cuchillos están a la altura de sus mejores canciones. Sin dudas, muy recomendable.
Pd: no me gusta nada la versión de Mercedes Sosa, es más, podría decirse que no soporto a ninguno de los dos: a ella y al cover.
Se escucha en: Say No More (1996)

Where the streets have no name

A pedido del fan de U2, acá está la canción inicial de The Joshua Tree, álbum que catapultó definitivamente a la banda como una de las más grandes del planeta, editado hace ya 20 años e integrado por otros temazos como With or without you, o bien I´m still haven´t found what I´m looking for, los que hoy ya son clásicos del rock de todos los tiempos.
En un compilado hecho hace unos años (llamado “Greates Irish Bands”), con temas seleccionados por Bono, el primer tema del disco es justamente Where the streets have no name, por lo que -se supone- es para él la mejor o más representativa canción del grupo.
Curiosidad: dicen que el productor Brian Eno, debido a la complejidad de la canción, propuso durante las sesiones de grabación que esta se eliminara del álbum.
Chisme sin sentido: un amigo fue chofer de Adam Clayton durante la última estadía en el país. Es decir, un par de días manejando una limusina, pasando el tiempo en el Faena Hotel.